In molti hanno visto in Manu Chao l'erede più credibile dello spirito di Bob Marley.
Effettivamente il figlio di una coppia spagnola fuggita in Francia per scappare dal regime franchista, è un artista unico nel suo genere, come unica è la sua musica.
Nel 1998 l'ex leader del gruppo multirazziale Mano Negra pubblicò Clandestino, il suo primo album da solista.
Lontano anni luce dalla ricerca musicale, propone una musica che è solo un mezzo attraverso il quale narrare storie di povertà ed emarginazione, che lo hanno reso il cantante più amato dai giovani dei Centri Sociali tutta Europa.
In questo disco si parla soprattutto del dramma dell'immigrazione verso l'Occidente di un popolo di disperati alla ricerca di un qualcosa.
Come ho già detto non cercate in questo disco ricercatezze musicali: le canzoni hanno strutture e arrangiamenti basici, spesso con una semplice chitarra acustica che accompagna la voce di Manu che canta storie in spagnolo, francese, inglese, portoghese...
Farò un rapido excursus attraverso i brani più belli e più significativi del disco.
Desaparecido è amaro ritratto della dignità umana negata ai "fantasmi", agli uomini che per l'autorità semplicemente non esistono, pena l'espulsione.
Bongo Bong è la storia di una scimmia (o di un uomo?) re nella sua terra ("Mamma era regina del Bongo e papà era re del Congo") che viene portato in città dove è solo un fenomeno da baraccone.
La canzone (la cui base è una vecchia canzone dei Mano Negra, poi riutilizzata nel disco successivo per la bellissima Mr Bobby dedicata a Bob Marley, n.d.r.) si evolve poi in una strana canzone di amore finito Je ne t'aime plus mon Amour.
Por el suelo ancora una volta risente dell'influenza del re del reggae raccoglienodo l'eredità di Exodus, ma mentre nell'inno del cantante giamaicano il popolo tornava all'Africa trionfante, in questa canzone si narra l'errare senza meta e senza speranza di un popolo di emarginati.
Welcome to Tijuana è una sarcastico bozzetto in cui si ritrae la città messicana di frontiera come regno di "Tequila, sesso e marijuana".
El viento chiude il disco parlando ancora di frontiera, di silenzio, di disperazione.
Il brano più importante, comunque è quello che dà il titolo al disco: il testo di Clandestino vale più di cento trattati di sociologia e ci mette tutti, per una volta, dalla parte degli "altri" con una semplicità straordinaria.
"Vado solo con la mia pena, vado solo con la mia condanna, il mio destino è correre per eludere la legge. Sono perso nel cuore della Grande Babilonia, mi chiamano clandestino perché non ho documenti. Andai in una città del nord per lavorare, ma il cuore lo lasciai tra Ceuta e Gibilterra. Sono come una striscia sul mare, un fantasma nella città, la mia vita va proibita dice l'Autorità".

Molti credono che questo sia stato l’album più importante della storia della musica.
Non so se è vero, ma è certo che si tratta dell’album più rivoluzionario, sia per l’anno di pubblicazione (1967), sia per il contenuto musicale e per il messaggio che c’era dentro.
Ma andiamo con ordine: i Beatles erano la band più importante in circolazione e i loro concerti erano autentici deliri di massa, fin quando i quattro decisero di smettere i panni che li avevano resi famosi ed esplorare altri territori musicali, spinti dal loro eccezionale talento. Uscì Revolver che spiazzò i critici, ma era solo l’antipasto per la vera rivoluzione.
I Beatles decidono di non fare più concerti e di dedicarsi solo all’attività in studio. Guidati dal produttore George Martin (che fece non poca fatica per canalizzare il genio spesso sregolato di John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr), i Fab Four impersonarono la "band dei cuori solitari del Sergente Pepe" in un improbabile spettacolo tra la balera e la psichedelia, tra il varietà e il circo.
Diversi libri sono stati scritti su quest’album (tra cui il migliore è sicuramente quello scritto dallo stesso George Martin, ricco di un’aneddotica imperdibile per gli appassionati…) e decine di recensioni sono state scritte. Io mi limito a segnalarlo a chi non ancora lo conosce.
Dal rock sixties di Sgt Pepper’s lonely heart club band, a With a little help from my friend (molto più "leggera" in questa versione originale cantata da Ringo Starr che nella splendida cover di Joe Cocker).
Dall’inno psichedelico Lucy in the sky with diamonds a Getting better.
Dall’oscura Fixing a hole alla malinconica She’s leaving home.
Dalla circense Being for the benefit of Mister Kite alla mistica Within you without you.
Dall’ironica When I’m Sixty Four alla british Lovely Rita.
Dalla sperimentale Good Morning Good Morning fino alla reprise del brano d’apertura… Questo disco è un capolavoro assoluto, pioneristico tecnicamente (all’epoca si registrava su un quattro piste e Martin dovette fare autentici salti mortali per accontentare le richieste dei Beatles che richiedevano multiple sovraincisioni…) e concettualmente, apriva il mondo della musica pop a linguaggi e a suoni allora sconosciuti.
Due parole in più le merita l’ultimo brano del disco: A day in the Life, sintesi immaginifica e definitiva del genio compositivo della coppia Lennon-McCartney, che chiude il disco con un incredibile accordo di piano suonato contemporaneamente dai quattro pianoforti presenti nei quattro piani degli studi di Abbey Road: un finale incredibile per un disco incredibile.

Già qualcuno avrà pensato "Finalmente un disco italiano!"... Ebbene sì, questa settimana vi parlerò di quello che ritengo il miglior "Live" italiano, a firma di Fabrizio De André e della P.F.M..
Siamo nel 1979 e qualcuno azzarda l'idea di unire due mondi fino ad allora lontanissimi tra loro, quello dei cantautori, di cui De André era l'esponente più autorevole, e quello del rock, grazie alla Premiata Forneria Marconi, la Prog band italiana più conosciuta.
La P.F.M., reduce dalle avventure (e disavventure) americane si era avvicinata alla "musica d'autore" l'anno prima con Passpartù, un disco che si discostava un po' dai precedenti lavori di matrice più progressive rock. Il passo successivo era appunto la collaborazione con Fabrizio De André che affidò alla band il ri-arrangiamento delle sue poetiche ballate, originariamente registrate quasi tutte in maniera scarna ed essenziale con l'unico accompagnamento di una chitarra acustica.
Il risultato di questa collaborazione furono due dischi (qui vi parlerò del Volume 1) registrati nei concerti di Firenze e Bologna del gennaio 1979.
Sul palco De André con la sua chitarra era accompagnata dalla P.F.M. dell'epoca, ovvero Flavio Premoli alle tastiere, Franz Di Cioccio alla batteria, Patrick Djivas al basso, Franco Mussida alla chitarra (questi quattro musicisti formano ancora parte della Forneria...) e Lucio Fabbri al violino.
Il risultato è semplicemente meraviglioso: le poesie in musica di De André, intessute dalla sua voce unica assumono una dimensione nuova e più completa grazie agli arrangiamenti della band, preziosi ed elaborati, ma mai pesanti e soprattutto mai ridondanti.
Spicca soprattutto la scelta di prediligere un sapore più "folk", che meglio si adattava ai brani rispetto ai ghirigori più prog. Ma il pezzo forte sono i testi di De André.
Si comincia dalla storia della "leggera" Bocca di Rosa, la cui promiscuità faceva inviperire "le cagnette a cui aveva sottratto l'osso" e si continua con la triste storia di Andrea, giovane soldato morto in guerra.
Giugno '73 è una triste ed intensa canzone d'amore finito, mentre Un giudice è un ritratto al veleno della frustrazione e della vendetta.
Intensissima è La guerra di Piero, accompagnata dal meraviglioso piano di Premoli, in cui con ineguagliabile efficacia si ritrae il fatale incontro di due soldati che avevano "lo stesso identico umore, ma la divisa di un altro colore".
Dopo la conosciutissima Il Pescatore (suonata ancora oggi dalla P.F.M.), si passa al folk in sardo Zichiriltaggia (De André visse per anni sull'isola, dove subì anche un sequestro di persona) in cui brilla il violino di Fabbri.
Delicata ed emozionante è La Canzone di Marinella, che ha uno dei migliori arrangiamenti del disco, mentre ancora in chiave folk è la filastrocca Volta la carta.
Si chiude con un capolavoro: Amico fragile, dal testo delirante e poetico, brutale e toccante: per dirlo con lo stesso De André, il testo esplora i "Luoghi meno comuni e più feroci" della nostra anima.
Il tutto esaltato dal meraviglioso arrangiamento che conduce il pezzo in un crescendo che raggiunge il suo climax nel grandioso assolo finale di Mussida, degna chiusura di un album leggendario e che consiglio caldamente a tutti coloro che non hanno mai avuto la fortuna di ascoltarlo.

Solo un post per segnalare l'apertura di due nuovi blog sul sito Independent Artists Company.
Sulla pagina degli if è attivo il journal che potrà aggiornare gli ascoltatori sulle novità riguardanti il gruppo.
Ho aperto inoltre una nuova pagina in cui curo un blog personale in cui parlo fondamentalmente delle mie esperienze musicali dentro e fuori degli if.
Quest'ultima pagina potrà essere anche usata per mantenere un contatto con gli amici lontani e parlare con loro di musica e non solo.
Colgo l'occasione per invitare tutti gli amanti della buona musica ad iscriversi a IAC per poter ascoltare eccellente musica (anche se a Petacciato senza ADSL è dura...) e poter discuterne con altri appassionati e con musicisti.
I due blog sono in inglese, ma ovviamente ci saranno alcuni interventi (soprattutto il dialogo con gli amici) in italiano.
Aspetto le vostre opinioni.

P.S. Dopo ben 50 giorni al numero 1 I wish è scesa al terzo posto (sono scaduti i 1500 voti di gennaio)... un successo insperato e, credo, eccezionale!

Nel 1975 i Queen erano a punto di diventare star mondiali. Dopo l'esordio di Queen e l'ottimo Queen II, il terzo disco della band inglese Sheer Heart Attack aveva avuto un ottimo successo grazie soprattutto a Killer Queen.
Ma c'era bisogno di un altro passo e questo passo fu l'album A Night at the Opera.
Come troppo spesso accade per gli album dei Queen, a Night at the Opera contiene brani meravigliosi e riempitivi di scarsa qualità... ma andiamo con ordine.
Il disco inizia con un'incredibile introduzione di piano con cui Freddie Mercury dimostra il suo talento anche sulla tastiera che sfocia nell'eccellente tango rock della velenosissima Death on two legs, dedicata alla vecchia casa discografica.
Dopo il delizioso intermezzo di Lazing on a Sunday afternoon in perfetto stile anni '20, è il turno del batterista (e qui anche cantante) Roger Taylor con I'm in love with my car, rock classico con un testo imbarazzantemente brutto... ma si sa che Roger è sempre stato il meno talentuoso dei Queen.
Dopo la buona love song You're my best friend del bassista John Deacon, è il turno di due brani piuttosto mediocri del chitarrista Brian May, '39 (in cui è anche voce solista) e Sweet Lady.
Come spesso accade il livello sale notevolmente quando a prendere in mano la situazione è Freddie Mercury, che ci regala un altra delizia con lo scatenato (e complicatissimo) rag-time di Seaside Rendezvous, con tanto di assolo di kazoo di May...
The Prophet's Song è un ottimo rock di Brian May, caratterizzato da tocchi orientali (spesso presenti nelle sue composizioni) e impreziositoda un'eccezionale mid late in cui la voce di Mercury gioca con la propria eco.
Un altro gioiello è Love of my life, un'emozionante love song dal sapore classico giocata tra il piano e la voce di Mercury e l'arpa di May.
Dopo l'evitabile Good Company, in cui May gioca con la musica retró, non avendo però la classe del collega, arriva il brano che da solo vale il prezzo del disco.
Bohemian Rhapsody è un brano che apparirebbe nella Top 10 di tutti i tempi di quasi tutti gli appasionati, la mini suite che inventa il rock operistico.
Dopo l'introduzione e una prima parte da rock ballad dai forti contenuti emotivi, ecco il cambio all'opera, con un sorprendente mid late in cui Mercury duetta con il coro (composto in gran parte dalla sua stessa voce sovraincisa più volte) in un incredibile crescendo che porta alla parte più rock. Un nuovo passaggio costruito con maestria conduce all'ultima parte e al placido finale.
In una parola un capolavoro, il punto più alto dell'opera di uno straordinario cantante e compositore che si chiamava Freddie Mercury.
L'arrangiamento di May di God save the Queen chiude un disco in cui sono evidenti tutti i pregi e i difetti dei Queen: ottimi musicisti, a tratti geniali e a tratti kitsch, a volte pomposi, altre intimisti, sempre comunque capaci di sorprendere l'ascoltatore spesso in positivo e a volte, purtroppo, in negativo.
Comunque una band unica che ci ha regalato alcune delle pagine più belle della storia del rock.